Ich war ja früher mal in einem anderen Abba-Forum, wo ernsthaft jemand Abba mit Blackpink verglichen hat,
ja er ging sogar soweit zu behaupten, dass Blackpink heute das sind, was Abba in den 70ern waren.
Er bezog das ausdrücklich auch auf die Qualität der Musik.

Steile These erstmal.

Geht man nach Wirkung in der Öffentlichkeit, nach dem Massengeschmack der Teenager, nach dem Faktor des wirtschaftlichen Erfolgs,
könnte er gar nicht mal so falsch gelegen haben.
Blackpink ist in der Tat wirtschaftlich sehr erfolgreich und nimmt in den sozialen Medien viel Raum ein.
Sie ziehen dort Aufmerksamkeit auf sich. Und Aufmerksamkeit ist heutzutage ein knappes Gut.

Aber ist wirtschaftlicher Erfolg gleichzusetzen mit künstlerischem Wert?
Für mich ist z.B. eher überraschend, das Abba trotz des enormen Erfolges künstlerische Tiefe hat.
Aber was ist das: Tiefe, Künstlerische Schöpfungshöhe?
Ich will das an den jeweils erfolgreichsten Songs auf Spotify exemplarisch untersuchen.
Blackpinks erfolgreichster Song auf Spotify ist „kill this love“ mit 485.221.186 Streams.
Der erfolgreichste ABBA-Song ist „Dancing Queen“ mit 569.721.676 Streams.
Abba haben also etwas mehr Streams auf der Plattform, wo es nur ums Hören geht!

Auf YouTube aber, wo der optische Eindruck hinzu kommt, hat Abba in 11 Jahren 520 Millionen Klicks für „Dancing Queen“ gesammelt
und Blackpink unfassbare 1,3 Milliarden in nur zwei Jahren. Ein sehr interessantes Phänomen. Warum ist das so?


Komposition oder Design?

Ich würde erstmal soweit gehen und sagen, die Band Blackpink ist so konzipiert, dass sie auf den schnellen, oberflächenfixierten sozialen Medien immer wieder geteilt wird.
Vom Design der Künstler, die gewissen körperlichen Normen entsprechen müssen,
dem Design der Kostüme, die die daraus resultierenden körperlichen, als attraktiv propagierten Attribute heraus stellen,
bis hin zum Design der Musik, deren Uniformität nur von kurzen Momenten prägnanter Soundideen unterbrochen wird,
ist alles darauf ausgelegt. Eben designt. Design follows function. Und die Funktion ist Umsatz, Klickzahlen.

Blackpink ist ein erfolgreiches Industrieprodukt. Das Design gefällt vielen Menschen.
Menschen, die vielleicht gar nicht soviel Zeit haben, sich tiefer mit Musik und Kunst auseinander zu setzen.
Es muss schnell gehen, die Aufmerksamkeitsspanne ist kurz heutzutage.

In 5-10 Sekunden sehen wir auf TikTok die soldatischen Choreographien gequält lächelnder, hochdisziplinierter, schlanker, junger Frauen,
die mit den knappen Kostümen und den prägnanten Soundideen eine attraktives, schnell zu konsumierendes Gesamtpaket abgeben.
Nach 5-10 Sekunden wiederholt es sich. Und wenn man nicht weiterwischt mit dem Daumen, wäre es eine Endlosschleife.
Man wischt weiter und der Algorithmus sucht den nächsten Schnipsel, oder den immer gleichen Schnipsel nur mit unterschiedlichen Kostümen,
aber immer mit der gleichen Choreographie. So ähnlich stelle ich mir die Hölle vor.
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Das Besondere an Abba, Jahrzehnte nach ihrer aktiven Schaffensphase, ist ja, das jede neue Generation etwas mit dieser Musik verbinden kann.
Die Wertschätzung wächst kontinuierlich seit Jahren. Auch in professionellen Kreisen, also bei Komponisten und Musikern weiß man,
dass Abba für solides Songwriting und kunstvolle Arrangements steht.
Benny Andersson wird nicht als alternder Rockstar gesehen, sondern als erfolgreicher Komponist, der neben dieser schwedischen Band Abba auch erfolgreiche Musicals geschrieben hat.

Und Abba sind dabei zeitlos zu werden, Klassiker, wie die Beatles - wie Mozart, Bach und Beethoven.
Die Frage ist, ob Blackpink das auch gelingen kann, oder ob sie in 40 Jahren vergessen sein werden?


Leben & Kunst

Image und Erotik spielte auch eine wichtige Rolle bei Abba, nahm aber bei weitem nicht den Raum ein, den sie heute bei Blackpink und Konsorten einnehmen.
Das Image damals erwuchs auch zum großen Anteil aus den Biographien der Künstler, die diese selbst in der Hand hatten.
Anders gesprochen, Agnetha, Frida, Benny und Björn hatte ein echtes Leben, sie trafen echte Entscheidungen für sich selbst in enger Absprache mit dem Manager Stig Anderson.
Sie hatten ein Leben vor und nach Abba. Sie mussten nicht in einem Trainingslager erstmal die Konkurrenz aus dem Weg räumen, bevor sie auf die Bühne durften.
Sie schrieben die Songs selbst, aus dem Erfahrungsschatz, den sie in ihrem Leben angehäuft hatten.

Mit welchem Erfahrungsschatz geht Blackpink auf die Bühne, wenn sie seit dem sechzehnten Lebensjahr nichts anderes gesehen haben, als ihre Tanzkaserne?
Aus welchem kulturellen Schatz schöpfen sie ihre Musik? Welche Verbindung besteht da noch zwischen Leben und Kunst?
Was passiert, wenn sie eine eigene Meinung gegenüber dem Management äußern?
Warum braucht es vier Komponisten ( 24, Bekuh Boom, R.Tee, Teddy) für einen musikalisch so schlichten Song?


Jede Zeit hat ihr Medium - Die Beschaffenheit desselben hat Einfluss auf die Ausformung der Musik der jeweiligen Zeit.

Bei Abba war das die Single, das Album, ab und zu ein Auftritt im Fernsehen, den nur der aufzeichnen konnte,
der in den 70ern einen Videorekorder hatte, was damals selten war.
Man hatte viel Zeit und wenig Ablenkung und konnte, nachdem man im Plattenladen war, ein Album oder eine Single in Ruhe durchhören.
Des weiteren konnte man sich als Fan ein paar Poster aus der Bravo aufhängen und sich mit gleichgesinnten am Telefon oder auf dem Schulhof austauschen.
Das war es mehr oder weniger. Abba hatte gute Chancen, die volle Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, wenn sie gute Musik machen.

In Internetzeiten sieht das anders aus. Die Ablenkung lauert an jeder Ecke.
Man rätselt, was man zuerst aufmacht: WhatsApp, Facebook, Spotify? Oder alles gleichzeitig?
Die Aufmerksamkeit ist heutzutage die knappste Ressource im Internet und alle Anbieter kämpfen darum mit ausgefuchsten Algorithmen
(Facebook, TikTok, YouTube usw.) Kein Wunder, dass auch die Musik daduch betroffen sein muss,
damit sie sich, auf den Algorithmus hin optimiert, eine Schneise durch das mediale weisse Rauschen brennen kann.

Und dafür muss sie einfach sein und schnell verständlich. Eben leicht zu konsumieren.
Die Sound Designer und Produzenten bei Blackpink wissen das.
In der nun folgenden Analyse werde ich diese These untermauern.

Der Text

Hier zuerst der Text von Blackpink.

„Kill this love“
Im Original schaltet er zwischen verschiedenen Sprachen um (Koreanisch und Englisch).

Bevor der eigentliche Text losgeht wird im Intro noch ein kleiner Werbeblock geschaltet „Blackpink in your Area“.
Dieses Element kommt öfter auch in anderen Songs vor. Man stelle sich dieses selbstaffirmative Element in einem Abbasong vor.
Agnetha säuselt im Intro von „The Winner takes it all“ etwa folgendes:“Abba in your hometown“ oder so ähnlich.
Das wäre albern oder?
Warum geht das so selbstverständlich durch bei Blackpink?
Weil es um Selbstdarstellung geht, wie im HipHop üblich, und nicht um die Integrität und Stringenz eines Songs als Kunstwerk.

Zusammengefasst geht es inhaltlich bei „kill this love“ um die Unfähigkeit mit den eigenen Gefühlen umzugehen.
Gefühle müssen besser getötet werden, bevor sie Macht über einen bekommen.
Beziehungen werden komplett überflüssig, sind nur oberflächliche Staffage, das Gegenüber als Individuum spielt im Grunde keine Rolle,
außer dass es „Hi“ und „Bye“ sagt und, dass es meint „you look crazy“, der Rest scheint sexuell aufgeladen (Verse 2, Lisa), aber emotional irrelevant.

Wir wissen nicht, warum diese Beziehung scheitert, wir wissen nicht, was in dieser Beziehung außer „You look crazy“ vorgefallen ist.
Die Kernaussage scheint mir „I can't stand being so weak“ zu sein.
Man erträgt die eigene Verletzlichkeit und Schwäche nicht und beendet lieber eine Beziehung, bevor man sich selbst in Frage stellen muss.

Möglicherweise könnte man ja etwas über sich selbst lernen. Die Liebe muss umgebracht, getötet werden, bevor du merkst, dass du ein Mensch und kein Roboter bist.
„Lets kill this love“ führt zu lets kill this music. Bevor zu viel Gefühle aufkommen, kommt ein Break, ein Wechsel. Bloß nicht zu viel Struktur, bloß keine langen Melodielinien.

Zuviel Inhalt ist sperrig und nicht unmittelbar konsumierbar. Der textlich angedeutete Gefühlsausbruch ist theatralisch und übertrieben
und dadurch das Gegenteil von subtil: „tears of blood from both eyes“. Das stark übersteuerte Bild soll wohl die nicht vorhandene Emotion ersetzen.

Im Refrain passiert inhaltlich nicht soviel, außer dass auch die Sprache Teil des Sound Designs wird.
Das „Ram Pa Pam Pa Pam Pa Pa“ ist der eigenständigste Sound in diesem Song und hat hohen Wiedererkennungswert.

Durch das rollende R am Anfang und durch den Shuffle-Rhythmus, der wohl die Salve eines Automatikgewehrs imitieren soll.
Das bleibt im Gedächtnis und lebt auch vom Kontrast: Unschuldig aussehenden jungen Teeniefrauen tragen comic-hafte Lautmalereien an der Stelle vor,
wo sonst Textdichter um Worte ringen, um die zentrale Aussage des Refrains mit Worten statt Geräuschen auszudrücken.

Nach kill this music nun auch noch kill this lyrics.

„Dancing Queen“

Zunächst fällt auf, dass „Dancing Queen“ nicht aus der kollektiven Ich-Perspektive wie bei Blackpink erzählt wird.
Dort wird eine austauschbare Geschichte durch mehrere Sängerinnen erzählt, die offenbar alle das gleiche erlebt haben.
Bei „Dancing Queen“ ist jemand mit im Raum, der eine Szene beobachtet.
Die Szene im Nachtclub am Freitag Abend.

Diese Person beobachtet mit viel Empathie ein tanzendes, 17 Jahre altes Mädchen,
dass offenbar großen Spass am Tanzen hat und bei der Auswahl der Tanzpartner nicht besonders wählerisch ist.

Erotik wird nicht ausdrücklich erwähnt, scheint aber im Raum zu liegen.“Youre a teaser you turn them on“

„Dancing Queen“ ist jetzt nicht unbedingt der beste oder tiefschürfenste Text von Björn Ulvaeus,
aber trotzdem transportiert er das Gefühl der Leichtigkeit beim Tanzen und die Athmossphäre im 70er Jahre Disco Club sehr stimmig.

Man merkt dem Text an, dass er erst geschrieben wurde, nachdem die Melodie schon da war. Es wird wert darauf gelegt, dass sich die Endsilben reimen.
Es gibt vollständige Sätze, die auch grammatikalisch Sinn machen.

Schaut man auf Verse 3 bei „kill this love“, auf den englische Part, so reimt sich da gar nichts.
Auf Kunst in der Sprache wird nicht Wert gelegt, sie soll nur cool rüber kommen.
Auch dort ist das comic-hafte Element „I go bo-hooo“(?) wieder stilprägend.
Der/die Texter waren zu faul nach Reimen zu suchen? Man möchte möglicherweise den jugendlichen Jargon der Zielgruppe „Teenager“ bedienen.

Zurück zu Abba: Die Aussage des Refrains ist wieder positiv, ja überschwenglich und bekommt durch die reiche Harmonik und aufsteigende Melodik des Songs eine ganz neue Qualität.
Der Refrain ist zu gleich affirmativ im Hier und Jetzt und trotzdem melancholisch durch den Betrachter, der selbst nicht zu 100% im Hier und jetzt sein kann.
Der Refrain ist vielschichtig und macht einen komplexen Interpretationsraum auf.

Der Reim ist manchmal wichtiger als die Aussage, oder seit wann kann man den Beat eines Tambourins fühlen,
das den einzigen Vorzug hat, sich auf Dancing Queen halbwegs zu reimen? Egal.

Untem Strich bleibt eine positive Einstellung zum Ausleben von Gefühlen durch Tanzen und eine wundervolle Beziehung zwischen Text und Musik,
die gemeinsam ein emotionalen Raum erschaffen. Es geht um Aufmachen, um Loslassen, um Freiheit, Freude und Abenteuer.
Es geht um die Affirmation des Hier und Jetzt und doch entsteht eine schmerzliche Sehnsucht, durch die Distanz des Betrachters,
der selbst nicht mehr 17 ist und nicht so sehr im Moment sein kann, aber wohl noch weiß, wie es einmal bei ihm war.

Es geht also so ziemlich um das Gegenteil von „Ich schieß die Liebe tot, ich will nichts fühlen, ich will nicht schwach sein.“ wie bei Blackpink.

Harmonik/Melodik

Der harmonische Verlauf bei Blackpink ist schnell erzählt. Es gibt Vier Akkorde, die sich im Spannungsfeld der Parallelen F-Dur und d-moll bewegen.
Ich hab dazu mal eine Grafik angefertigt, in der alle Akkordverbindungen eingezeichnet sind.
Auch der musikalische Laie erkennt sofort, dass das entstandene Muster bei Abba komplex und vielschichtig ist, während bei Blackpink nur ein Quadrat zu sehen ist.




Dancing Queen steht in A-Dur und hat dabei Phasen der Stabilität, wo auf dem Basston A zwischen der Tonika in A und der Subdominante in D gewechselt wird.
Dann geht es zur Mollparallele F#moll, von wo aus ein harmonisch freier Fall über E, mit Zwischendominanten C#Dur als Dominante von F#moll einsetzt,
bis man auf der Doppeldominante H-Dur landet, die nicht nach E aufgelöst wird, sondern nochmals chromatisch auf D fällt.
Erst nach einem weiteren Fall über eine kleine Terz nach h-moll, geht es endlich zur Dominante E-Dur, von wo aus man zurück nach Hause katapultiert wird.

Diese schlau komponierte Akkordfolge ist verantwortlich für das Gefühl von Leichtigkeit und Fliegen, das dem zweiten Teil des Refrains so eigen ist.
Wieder in D-Dur angekommen, bereitet man sich auf die Strophe vor.

Zu jeder Zeit ist diese Akkordfolge melodisch motiviert, bzw. die Akkordfolge ist nicht ohne die Melodie zu denken und umgekehrt.
Organisch werden zur Hauptmelodie noch kleine Seitenthemen wie die von oben fallenden Sexten im Klavier in den Gesangspausen eingefügt.

Alles ist in einander verzahnt, alles ist miteinander verwandt, stammt aus einer zentralen Idee, die sich aber in vielfältiger Weise immer neu zeigt.
So haben eben auch die klassischen Komponisten gearbeitet.

Dancing Queen funktioniert auf dem Klavier Solo, ja sogar, wenn man es auf dem Kamm bläst.
Die Schöpfungshöhe ist hoch, das musikalische Material darf sich entwickeln und wird nicht abgewürgt.
Der Text entsteht erst nach der Musik, damit der musikalische Grundgedanke, die Melodie nicht durch sprachliche Eigenheiten eingetrübt wird.

Arrangement/Produktion


Hier ist die musikalische Form von „Kill this Love“

Intro:
8 Takte Fanfare mit Steigerung (wie Refrain) (Blackpinksample)

Strophe 1
8 Takte Rapgesang Dreitonraum absteigend f – e - d
Strophe 2
8 Takte Rapgesang mit verkürzter Phrase (Augmentation)

Bridge (gesungen!)
2x 8 Takte melodische Bridge (rhythmische Steigerung)
Akkorde Bb, Gm6, Dm, F

Refrain 8+2 Takte Fanfare,
rhythmisch auf d bleibend
Comicsprache „rrrampampapampapa“

4 Takte Rap englisch auf Grundton
4 Takte Rap mit „Alle meine Entchen“ in moll

Melodische Bridge

Refrain

Coda
2 Leertakte („Bass-solo“)
4 Takte Wechsel zwischen d und F
mit Text „Lets kill this love“
und einer „Melodie“, die zwischen Grunton und Quinte wechselt.

4 Takte Das selbe nochmal +Bassdrum

fertig...


Das ist vermutlich das Erfolgsrezept von K-pop. Beim oberflächlichen Durchhören mehrer Songs von Blackpink findet sich diese Grundform immer wieder. Es ist eine Formel.


Jetzt wird es nochmal spannend: Was mag so eine Musikproduktion bei Blackpink kosten? Welche Mittel sind dazu notwendig? Und bei Abba?

Tja, bei Blackpink reicht ein handelsübliches Notebook und eine Soundkarte mit Lautsprechern.
Jede handelsübliche digitale Workstation (Kostenpunkt 200-500€) hat diese Sounds und Produktionsmöglichkeiten bereits an Board, die man für einen Blackpinksong braucht.
Dazu kommt noch ein Mikrofon und ein Mikrofonvorverstärker.
Die Produktionsmittel kosten also ca, 2500€. Das ist nicht viel. Die Musik ist billig produziert.

Schon gekonnt, im Sinne von effektiv, aber der Aufwand ist gering. Sehr gering für einen Act von dieser Größe.


Welche Sounds kommen bei Blackpink zum Einsatz?

Vor allemm Drumsounds: Bassdrums, Claps, elektronische Samples, die gepitchte HiHat scheint wichtig zu sein,
der Grundrhythmus wechselt zwischen HipHop und Marschmusik.
Die steigende rhytmische Dichte am Ende der Bridge erzeugt wieder Aufregung, Hab-Acht-haltung.

Dann gibt es dieses Blechbläser-sample, mit etwas Hallfahne drauf.
Gleich im Intro hören wir dieses Signal, das später auch im Refrain wieder zum Einsatz kommt.
Die musikalische Intention ist es, Aufregung zu erzeugen, wie eine Polizeisirene. Einfach, aber effektiv.
Harmonisch passiert ...nichts. Melodisch auch nicht.
Wir hören nur die rhythmisierten Sampletrompeten, die ihre Retortenherkunft gar nicht kaschieren wollen. Den Hörern ist es vermutlich egal.

Der Synthbass kommt durchgängig zum Einsatz, mal mit mehr, mal mit weniger Zerre.
Melodisch passiert im Bass wenig. Er besetzt Grundtöne, darf in der Bridge mal einen Durchgangston e von d-moll nach F-Dur passieren
und hat ein Basssolo, das aus genau einem Ton besteht, bevor die Coda kommt.

Ein paar getupfte E-Piano Akkorde, und tiefe, Tremolo Gitarrensaiten (Alles samples) bilden den harmonischen Hintergrund für die gesungenen Part in der Bridge.

Autotune ist auf allen Stimmen, damit sie immer perfekt intonieren. Dadurch geht Natürlichkeit verloren.

Insgesamt kommen selten mehr als drei verschiedene Sounds zusammen,
keine der Stimmen im Hintergrund hat musikalische Relevanz im Sinne einer wiedererkennbaren Melodik oder raffinierten Harmonik,
denn darum geht es hier gar nicht. Alles ist kurz und knapp formuliert.
Bevor es langweilig wird schaltet man lieber zum nächsten Songteil. Eine Art Videospielästhetik.
Man hört sich eher von Level zu Level durch, als das man inhaltliche Querverbindungen hätte.

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In „Dancing Queen“ hört man ausschließlich echte Musiker, die alle ihre Persönlichkeit in den Song mit einbringen.
Die musikalischen Querverbindungen über die Songteile sind einerseits organisch, andererseits aber eigenständig.

Der Sound kommt in einem richtigen Aufnahmstudio alter Schule zu Stande. Die Bandmaschiene läuft, die Spuren füllen sich nach und nach.
Die Musiker haben alle ein Feeling dafür, was der Song braucht. Die Eigenheiten jeder Spur entstehen in enger Absprache zwischen Musikern und Komponisten/Produzenten.
Musiker dürfen eigene Ideen mit einbringen. Ebenso die Sängerinnen Agnetha und Frida.

Das Arrangement ist dicht, viele verschiedene Instrumente tragen zu einem Gesamteindruck bei, die Summe ist größer, als die Addition aller Teile.

Der Groove ist natürlich und vor allem Roger Palm an den Drums und Rutger Gunnarson am Bass geschuldet.
Man kann allein über Rutgers melodisches, harmonisch stets orientiertes Bassspiel ein interessantes Buch schreiben, wenn man wollte.
Ein war ein echter Mensch, der dafür bezahlt wurde, in einem teuren Studio, das Geld kostet - jede Stunde ist kostbar - das zu tun,
was er am besten konnte: Bass spielen - all das wurde selbstverständlich so gebucht und gemacht, weil man die musikalisch höchstmögiche Qualität erreichen wollte.


Musik ist hier ein kreativer Prozess zwischen vielen Künstlern, die die Vision eines,
oder zweier Komponisten, wenn Björn mitgeschrieben hat, bestmöglich auf ihren Instrumenten umsetzen wollen,
aus Liebe zur Musik. Jeder Schritt hat mit Kommunikation und Menschen zu tun. Der Produktionsprozess ist lebendig.
Vom gemeinsamen Schreiben der Songs über das Rücken der Mikrofone in die bestklingende Position bis zur Abmischung
ist es ein durch und durch lebendiger Produktionsprozeß. Und das hört man am Ende auch.

Auch nach 45 Jahren noch...

Die Musikproduktion hat also absolute Priorität bei Abba, sie ist sehr kostspielig und es steckt sehr viel Arbeit darin, von vielen verschiedenen Künstler-Individuen.

Bei Blackpink ist die Musik billig in der Herstellung, einfach in der Struktur, und sie appeliert teilweise an eher archaische Reflexe, als an emotional komplexen Kunstverstand.

Ich würde Die Musik von Blackpink fast eher bei Sound-Design mit musikalischen Teilstücken einordnen.
Sie ist komplett am Rechner entworfen. Einmal gefundene Erfolgsrezepte werden immer wieder kopiert und modifiziert. Per copy und paste.
Kein einziger echter Musiker ist nötig. Die Songs werden mit einem Keyboard und ein paar Mausclicks zusammen gestellt.
Dann kommen die Sängerinnen, deren Unzulänglichkeiten im gesanglichen Bereich durch entsprechende Software ausgeglichen werden kann.
Stichwort: Melodyne oder Auto-Tune.

Die visuelle Ebene

Auf der visuellen Ebene erfolgt eine gewaltige Verlagerung des Schwerpunkts im Vergleich zwischen Abba und Blackpink.

Steckt bei Abba fast jede Krone in der Musikproduktion + etwas Marketing, müssen die Anstrengungen,
um Blackpink als eine attraktive Oberfläche erscheinen zu lassen, unfassbar viel Geld kosten.
Das sieht man allein an den Videos:

Bei Abba waren sie sekundär, obwohl sie vermutlich mehr Geld für aufwändigere Produktionen gehabt hätten,
haben sie trotzdem den Ball flach gehalten. Sämtliche Videos sind mit sehr bescheidenen, aber kreativen Mitteln unter der Regie von Lasse Hallström entstanden.

Die Videos sollten den Plattenverkauf ankurbeln, sie sollten Abba vertreten, weil sie nicht zu jeder Fernsehsendung persönlich live vorbei schauen konnten.
Sie blieben lieber im Studio, um mehr Musik aufzunehmen.

Das Abba-Video zu Dancing Queen ist schnell erzählt, Die Band tritt in Flanell-Kostümen in einer Disko auf, die Tanzfläche ist voll mit Teenies.
Agnetha und Frida strahlen puren Enthusiasmus aus, während sie den Song singen. Das wars.
Den Rest erledigt die Qualität der Musik. Es sind Menschen mit Emotionen zu erkennen. Die Anmutung ist enthusiastisch und lebensbejahend.

Hinter dem Video von Blackpink steckt ein enormer Produktionsaufwand. Das ist jeder einzelnen Sekunde anzusehen.
Fehlt es der Musik an Details, so ist im Bild im Kontrast dazu eine Vielzahl an Symbolen und Anspielungen zu sehen.

Die akustisch billige Trompetenfanfare wird zum optischen Riesengebläse, das den Hintergrund für die heftig verkleideten Blackpink-Mädchen bildet,
die zu jeder Zeit cool, schlecht gelaunt, oder ein wenig gequält kucken müssen, bei gleichzeitiger Makellosigkeit. Perfekte Projektionsflächen.

In der nächsten Szene zwei riesige Schwäne, einer schwarz, einer weiß vor epischem Sonnenuntergang.
Dazu etwas eintöniger Rapgesang im Dreitonraum.
Dann... nächste beschleunigte Rap-Szene in einem quietschbunten Supermarkt, wo man Liebe in Form von Cornflakes und Müslimixpackungen kaufen kann.
Der Supermarkt ist der Himmel der Liebe. Konsumkritik durch die Hintertür? Wohl kaum.

Egal, weiter... Nachdem dieses Level geschafft ist, kommt der gefühlige Teil mit den vier Harmonien.
Wir sehen eine leidende Venus mit Wasserreflektionen und Trauermond im Hintergrund, plötzlich hat sie eine geschmackloses Vasengewächs an der Backe
..Zack... nächstes Level,
Weinendes Mädchen läuft im Scheinwerferlicht vor Auto davon. Krass, Lisa will sich selbst überfahren.
Bevor sie vom Auto getroffen wird kommt der Refrain Level.
Alle Vier stehen in einer explodierenden Ruine im Lara Croft Outfit, natürlich kucken sie cool, Die Kamera fährt auf sie zu,
die perfekt eingeübten Choreografien sind spektakulär, wie alles in diesem Video.

Spektakulär, um zu überwältigen. Zuckersüße Einzelportraits der makellosen Schönheiten werden im Wechsel schnell mit der Performance der Gruppe geschnitten.
Man schaut willenlos hin und ist irgendwie peinlich berührt von diesem Animestyle,
der sich im Wesentlichen auf das Spannungsfeld zwischen Unschuld versus Gewalt und Sexyness verlässt. Das Spiel wird hier voll ausgefahren.

Nächster Level, Bitches beim Shopping, uppss, die Strophe wird verkürzt.

Wir sind schon wieder bei der gefühligen Bridge mit den vier Akkorden. Die Sängerin schaut vor blauem Hintergrund herzzereissend in die Kamera und hat ein vierblättriges Kleeblat in der Hand.

Bämm...dann plötzlich Herr der Ringe oder so ähnlich, jeder Cos-Player hat spätestens hier Tränchen in den Augen.

Die Sängerin (ich kann die nicht auseinderhalten, sorry) rennt durch eine Art Kirche und will sich diesmal selbst mit einem Brandpfeil richten.

Zack, Schnitt,
Blackpink steht in einer geöffneten, riesigen Wildfalle und machen wieder ihr Ding mit der Choreographie,
den unschuldigen, unterkühlten Blicken in die dynamische Kamera.“Rampapapapapapahh“ -

Dann kommt die Coda, Hinterhofszenario, ein Marschrhythmus setzt ein, die Choreos werden militärisch,
Blackpink haben aber eher punkig bis nuttige Klamotten an und schauen, ähm, unschuldig und unterkühlt in die Kamera.
Dann tanzt die ganze Truppe aus Lovekillern mit den Vieren.
Ende.

Klar tut ein solches Hochglanzvideo seine Wirkung. Da wird nichts dem Zufall überlassen.

Die Ansammlung von Themen sind komplett auf die Zielgruppe (Anime, Cosplay, Shoppen, „echte Gefühle nerven“) zugeschnitten.
Jeder möchte gerne so cool und sexy sein, jeder möchte seine Gefühle abtöten, damit man in Ruhe konsumieren kann.

Das scheint mir die Botschaft dieses Videos zu sein. Bei Blackpink ist der Song das Sound-Design zum Video.

Bei ABBA ist das Video eine nette Dreingabe zum überdurchschnittlich gut produzierten Song.

Wir leben heute in anderen Zeiten als in den Siebzigern.
Blackpink zeigt uns, was in der Masse funktioniert.
Der Schwerpunkt bei Blackpink ist eindeutig optischer Natur, die Musik ist Staffage.

Unterm Strich...

Zusammengefasst möchte ich sagen: Abba stehen in der Tradition der europäischen Kunstmusik, gemischt mit amerikanischen R&B Elementen und schwedischer Folklore.
Im Wesentlichen bauen sie auf melodische Spannungsbögen über wohlkomponierten Harmoniefolgen,
die oft einfach wirken, die in Warheit aber sehr ausgefuchst mit der Erwartungshaltung des Hörers spielen.
Es gibt zahlreiche musikalische Einfälle zu entdecken, die allesamt komplex miteinander in einer großen Wall-of-sound verflochten sind.

Man muss also als Hörer Geduld mitbringen, eine Aufmerksamkeitsspanne, die auch über viele Takte hinweg noch Variation oder Zitat in Verbindung bringen kann.
Mitunter befindet man sich harmonisch im freien Fall und wird nicht sobald von der Tonika, dem tonalen Zentrum wieder in die sicheren Arme genommen.

Der Komponist Benny Andersson hat Vergnügen daran, harmonisch komplexe, aber dennoch eingängige Musik zu komponieren.
Er ist ein Komponist im klassischen Sinne. Er steht in dieser Tradition. Er kommt vom Klavier, von den Tasteninstrumenten,
die die europäische, tonale Kunstmusik seit Bachs wohltemperiertem Klavier maßgeblich gestaltet haben.
Zuletzt hat er das eindrücklich bezeugt auf seinem Soloalbum „Piano“. Ein Piano genügt eben, um eine gute Komposition einfühlsam und einen Eindruck hinterlassend zu spielen.

Kann sich hier jemand ein reines Klavieralbum, auf dem Blackpink-Hits gespielt werden vorstellen?

Könnte schwierig werden, bei den zahlreichen Rap-Einlagen. Auch gerufene Passagen und zahlreiche Soundeffekte, die aber für die Blackpink-Rezeption wichtig scheinen,
wären so nicht auf einem Piano reproduzierbar. Und das was reproduzierbar wäre, würde möglicherweise als musikalisch dürftig entlarvt werden.

Auf dem Klavier kommt nämlich die Essenz eines Songs zum Vorschein: Die Seele des Songs, wenn er von allen Arrangements und Effekten entkleidet worden ist.

Blöd nur, wenn dann offensichtlich wird, dass ein Song gar keine Seele hat.

Rampapapapapapah...!

Ich verstehe deine Meinung dazu, aber bei der Ausarbeitung des Themas hab ich immer mehr gemerkt, dass das ein spannender Vergleich ist, der dazu geeignet ist, etwas über unsere Zeit Heute und vor vierzig Jahren auszusagen. Der Erfolg und die Breitenwirkung ist ja unbestritten da. Wie man das bewertet steht auf einem anderen Blatt. Sieh es als historischen Querschnitt, an dem man verschieden Zustände ablesen kann. Im übrigen hatte ich im Dezember angekündigt, dazu noch eine Analyse nachzuliefern, was ich hiermit getan habe.